A partir do ponto de vista adotado no poema, o poeta expressa uma visão de mundo identificada à perspectiva do indígena e do negro escravizados.

O emprego de vocábulos da língua indígena no poema constituía um obstáculo para o público leitor do século XVII, para o qual a língua, a cultura e a ascendência indígenas eram, já àquela época, influências bastante remotas.

No poema, há prevalência de uma preocupação com a elaboração estética da linguagem, em detrimento de uma descrição da vida social.

A linhagem apresentada no poema corresponde historicamente à formação da cultura brasileira, fruto da mistura pacífica e consensual entre brancos, indígenas e negros.

O tema central do poema está associado à posição periférica do colono brasileiro, que buscava negar sua origem a fim de superar a condição colonial a que estava sujeito.

No Arcadismo brasileiro, o cenário de locus amoenus é construído a partir da representação da dominação indígena.

Na poesia árcade brasileira, a referência à mitologia clássica é o elemento por meio do qual o poeta procura vincular seu texto à tradição clássica.

No Arcadismo brasileiro, os indígenas não foram representados literariamente, ao contrário do Romantismo, que inaugurou a exploração dessa temática.

O predomínio do verso branco e a descrição da natureza como sombria e melancólica são características marcantes do movimento árcade no Brasil.

Na poesia árcade brasileira, predomina o rebuscamento da linguagem, revelado pela prevalência da ordem indireta dos versos e pela complexidade das ideias.

A poesia social do Arcadismo brasileiro sofreu influência do Iluminismo europeu, mas não chegou a repercutir nos movimentos nacionalistas posteriores que culminaram na Independência em 1822.

As Cartas Chilenas situam-se no panorama da literatura árcade brasileira como exemplo de obra em que predomina a visão utópica dos nativistas, transfiguradores da realidade concreta do país.

Os poetas árcades brasileiros, apesar de escreverem obras de teor crítico à situação política da época, mantiveram-se distantes das ações concretas contra o domínio português.

A literatura brasileira, desde o período árcade, foi uma literatura de dois gumes, porque tanto impôs os padrões culturais europeus, quanto revelou as contradições da colonização.

O fracasso da Inconfidência Mineira evidencia a imaturidade dos eruditos brasileiros, que, à época, não estavam aptos a compreender as profundas desarmonias entre colônia e metrópole.

O casal Aurélia e Seixas ajusta-se perfeitamente ao estereótipo do par amoroso idealizado pelo Romantismo brasileiro.

A referência ao dinheiro, em Senhora, deve ser compreendida como metáfora que revela ao leitor a intensidade do amor de Fernando Seixas por Aurélia.

O ideal do amor cortês de origem medieval predomina em Senhora, pela expressão de submissão do vassalo enamorado às ordens e caprichos de sua senhora.

A cena retratada no fragmento sintetiza tema característico dos romances urbanos românticos: o arrebatamento causado pelo amor, que determina a ação dos personagens.

A influência do Romantismo europeu, que questionava as relações sociais burguesas mediadas pelo dinheiro, é perceptível em Senhora.

No texto I, o narrador, onisciente, relata os acontecimentos em terceira pessoa e distanciado da ação; no texto II, o narrador participa da ação e narra em primeira pessoa.

O texto machadiano apresenta uma relação amorosa legitimada pela sociedade da época, enquanto o de Azevedo refere-se a uma situação condenada socialmente: o adultério.

No texto I, Virgília é descrita de maneira humanizada; no texto II, Rita é apresentada de forma zoomorfizada.

Os personagens de Machado de Assis pertencem às classes populares e os de Aluísio Azevedo representam as classes dominantes.

No poema, o vaso chinês é descrito de forma objetiva, distante e fria, desprezando-se o detalhe em favor da produção da cena estática.

A estética da arte pela arte adotada por Alberto de Oliveira no poema valoriza a plasticidade da forma literária.

A predileção pelo soneto e pelos ritmos medievais vincula esse poema à tradição lírica romântica.

No poema, é rejeitada qualquer temática do cotidiano, evidenciando-se tratamento estético grandioso.

O poema caracteriza-se pela ausência absoluta do eu lírico e de qualquer referência ao sentimento amoroso.

Na poesia simbolista, a realidade externa se sobrepõe à realidade interior expressa pelo sujeito lírico, de modo que prevaleça o caráter descritivo.

O Simbolismo preconizava a correspondência entre poeta, poesia e natureza, e vigoravam, na poética simbolista, o inefável e a música dos versos.

No poema simbolista, a imaginação poética livre transcende os limites da realidade externa, o que se evidencia na forma poética desapegada da rima e da métrica rígida.

Os simbolistas consideravam a arte, sobretudo, trabalho exigente: o poema era um artefato raro e precioso, e o poeta devia buscar a expressão objetiva.

Embora o Simbolismo europeu esteja muito ligado ao decadentismo, essa tendência não teve nenhuma repercussão entre os poetas brasileiros simbolistas.

A descrição e a repetição, predominantes no poema, criam um efeito estético no qual o movimento é nulo e o silêncio impera.

Ao optar pelo soneto sem rima e métrica definidas, o poeta se aproxima do verso livre modernista.

As imagens poéticas sugerem uma íntima e gradativa relação entre a duração do dia e o nascimento, a vida e a morte do poeta.

A recorrência de imagens nebulosas e etéreas limita o poema à atmosfera incompreensível do sonho, sendo nulas as referências aos elementos da natureza.

Embora haja menção a símbolos religiosos, nesse poema, a espiritualidade é esvaziada pelo refrão.

As metáforas poéticas estruturam-se sobre associações previsíveis entre os objetos: “as flores eram cabeças de santos” (v.3).

O clima de pesadelo atenua a atmosfera surreal do poema e remete o leitor à realidade imediata da vida moderna na cidade.

A dimensão semântica do poema reúne vocábulos que remetem ao sonho e ao inconsciente, instaurando no mundo do poema uma realidade presente, ainda que transfigurada.

A rígida estrutura formal do poema atenua o impulso não racional das imagens, mantendo o poema sob o domínio do consciente.

Nos versos, a relação entre o sujeito e a ação que ele pratica é usual e cotidiana: “O mar soprava sinos” (v.1).