respeitar as faixas de segurança que indicam a distância mínima que se deve manter de uma obra de arte, que não deve ser tocada.

a se separarem na entrada do museu e, apenas na saída, formar novamente o grupo.

ouvir atentamente às suas explicações sobre cada obra, que devem ser dadas em voz alta, de forma que todos os alunos ouçam.

a apreciar rapidamente cada obra, para se evitarem tumultos.

o predomínio do uso do preto e do cinza.

a representação de sensações visuais imediatas.

o desenho de figuras bem definidas, com riqueza de detalhes.

a composição equilibrada, utilizando como base a perspectiva.

Nas obras cubistas, os objetos são representados de forma realista.

Os cubistas procuravam representar em suas obras o movimento, sugerindo velocidade.

Por meio das imagens fragmentadas, os pintores cubistas procuravam passar uma idéia de profundidade.

As obras desse movimento são marcadas pela decomposição e geometrização das formas naturais.

A estátua grega mostrada na figura apresenta-se em posição rigorosamente frontal, estando o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas, em simetria perfeita.

Nas estátuas gregas, enquanto o nu masculino era totalmente aceitável, o nu feminino era rejeitado e, por isso, as esculturas femininas apresentavam-se totalmente vestidas.

Nas esculturas gregas, as proporções ideais das estátuas representavam a perfeição do corpo e da mente.

As estátuas gregas eram esculpidas em diversos materiais, entre eles o barro, que depois recebia uma pintura encáustica.

A regra determinava que o desenho e a pintura deviam mostrar o mínimo possível de características de cada imagem retratada.

Segundo essa regra, o tronco e um dos olhos do retratado deviam ser desenhados de frente para o observador, enquanto a cabeça e os pés deviam ser desenhados de perfil.

Na imagem apresentada acima, fica evidente a preocupação com a proporção entre pessoas e objetos que compõem a cena.

Os elementos apresentados na imagem acima estão em perspectiva, o que facilita a compreensão da cena.

A grande maioria dos artistas, mesmo com o advento de muitas tecnologias, continua usando as mesmas formas de expressão tradicionais do século XIX.

Nas mostras contemporâneas, como as bienais, prevalecem as obras que utilizam novas tecnologias como representação.

A performance é um trabalho em que o artista, usando o seu corpo ou a sua voz, pode criar uma cena, dançar, pintar ou criar alguma coisa ao vivo diante do público.

O uso de materiais alternativos, como tevês velhas e novas, rádios e outros equipamentos, para construir uma escultura não se encaixa em nenhum tipo de arte.

Um evento montado dentro de um museu em que o artista utiliza materiais como terra e movéis para criar sua obra é considerado arte ambiental.

Uma obra é classificada como arte conceitual quando está concluída, não sendo o seu processo de construção considerado.

As instalações são exposições que podem ocupar uma sala inteira cheia de um conglomerado de objetos comuns sem sentido, como palavras, vídeos, fotos, latas etc.

Os conceitualistas valorizam o objeto, no qual, segundo eles, reside o conceito essencial da obra.

Os objetos utilizados como símbolo desse movimento eram sucatas, lixo e principalmente objetos que utilizavam vidro e metal como matéria-prima.

À Pop-art interessava a integração dos objetos com o espaço, movimento, luz e até mesmo som.

A Pop-art foi o único movimento do século XX que tentou fazer o espectador perceber como o mundo é manipulado pela indústria.

A fonte de criação dos artistas ligados a esse movimento era o dia-a-dia das grandes cidades norte-americanas.